Técnicas para componer canciones bajo presión 

 

Barra espaciadora

Estuve muy emocionado de que Kike, mi productor musical, haya considerado mi nuevo tema “Desorden” como segundo tema a producir. Y es que, a diferencia de mis temas anteriores, este tema tenía todos los ingredientes que había aprendido en las sesiones anteriores de producción. Al fin sentí que se respetaría los temas que componía con puntos y comas y eso me llenaba de orgullo.

Nuevamente, mientras Kike armaba la sección rítmica del tema con bajo y batería, Diego se puso a jugar con la guitarra y comenzó a arpegiar los acordes de la canción con unos efectos oscuros y electrónicos. “¡Quédate ahí, quédate ahí! – dijo Kike.

Entonces, sobre la base rítmica que había secuenciado empezó a hacer arreglos que le cambiaron por completo el sentido pop que quería para el tema. Y nuevamente comenzó la discusión:

“Kike ¿por qué tiene que ser así?, mejor hagámoslo más pop, conservemos mis acordes” – le dije.

“Pedro debes tener paciencia, recién estamos armando el tema” – respondió Kike.

“Pero Kike, se va a volver muy alternativo” – aseveré.

“Pedro, no estamos grabando en cinta, si no queda se pone control z y listo” – dijo Diego.

Cuando sucedían estas situaciones miraba a Mauricio, el baterista de la banda, ya que éramos Diego, Mauricio y yo los que estábamos metidos en la inversión del tema, pero Mauricio solo me guiñaba el ojo y giraba sutilmente la cabeza como pidiéndome que tenga paciencia.

El tiempo pasaba y seguían poniéndole más y más elementos alternativos, una guitarra distorsionada por aquí, unos arpegios oscuros por allá, hasta que volví a replicar: “¿Kike, pero por qué no respetan mis acordes?”

Kike no pudo más, sentado en su silla, presionó barra espaciadora para parar la grabación, le bajó el volumen a su guitarra Ibanez color cobre, levantó su mirada levemente y me dijo: “Pedro si estás seguro de que con tus acordes de gallo (acordes con tres dedos) el tema va a funcionar entonces hacemos eso, pero queda bajo tu responsabilidad.”

De pronto sentí todo el peso sobre mí, traté de pasar la saliva que no tenía, no estuve preparado para asumir esa respuesta. La sesión terminó unos minutos más tarde, y nos fuimos a casa.

Break Down Beat

«Se denomina Break Down Beat, BDB, Break Down, o simplemente Break, a una parte del tema que busca crear un anticlimax, bajando dinámica o la fuerza de la sección, ya sea con menos elementos instrumentales o bajando una octava a la melodía, o ambas cosas, para así dar paso a un climax más intenso. Es un respiro musical, una suerte de descanso que te ayuda a sentir la siguiente parte de manera mucho más intensa»

A la semana siguiente no fui a las sesiones de grabación y pienso que fue lo mejor para la banda. No logro recordar si fue por clases en la universidad o porque me sentía mal por lo ocurrido en la última sesión, pero ese respiro, me ayudo mucho, pues cuando volví a ir al estudio me sorprendió mucho oír como estaba sonando el tema.

“¡Oh por Dios, suena increíble! ¿Qué pasó aquí Kike? ¿Qué hicieron?” – dije.

“Ay Pedrín, tienes que tener paciencia, lo que pasa es que yo ya tengo el tema terminado en mi cabeza, ya sé cómo va sonar” – respondió Kike.

“¿Cómo puede ser posible eso?” – le dije.

“Es que en mi cabeza ya esta sonando todo Pedrín, el bajo, la batería, las guitarras, los efectos, y hasta voz cantada y afinada todavía” – dijo Kike (nos reímos)

Otra cosa que me sorprendió mucho fue el solo de guitarra, era épico y virtuoso.

“¿Qué increíble ese solo Kike” – le dije.

“En realidad la idea fue de Gerard” – así le decía de cariño Kike a Gerardo.

“Bueno yo solo quería hacer algo como Greg Howe pero no sabía cómo terminar de resolverlo” – dijo Gerardo.

“Es que es fácil Gerard, un solo de guitarra es como una conversación entre dos personas, hay una pregunta, luego una respuesta, luego una repregunta y luego una resolución, todo eso dentro de los ocho compases que tienes en este tema para expresarte” – explicó Kike.

“¡Sí!, y cuando Kike me dijo: “mira así se hace” me quedé muy sorprendido de lo rápido que pudo encontrar la solución” – Exclamó Gerardo.

Pero he visto que han reorganizado las partes del tema, ahora llegamos más rápido al coro – dije.

Sí Pedrín, igual estamos usando todo, solo hemos hecho algunos ajustes para que el tema tenga la estructura acorde a cómo se maneja el género y estilo – dijo Kike.

Pronto entendí que no solo se trata de contar una historia, sino que también se debe organizar estas partes buscando que el tema genere una estructura emocional interesante que capte la atención del oyente, que lo mantenga atento y que finalmente conecte con este.

Técnicas para componer canciones bajo presión

La Línea Emocional del Tiempo

La línea emocional del tiempo, es un gráfico que representa de manera visual cómo se desarrolla una canción a través del tiempo, convirtiéndose en una herramienta poderosísima para analizar o diseñar canciones desde cero de manera objetiva y subjetiva como se muestra en el gráfico 1.

El compás como unidad de medida

El diseño de la línea emocional del tiempo se sostiene en la estructura del tema y si hablamos de estructura, hablamos de los elementos de construcción con los que todo productor musical debe contar para poder edificar canciones. Uno de estos elementos es la medición del tiempo en la música. Para ello, requerirás de una wincha musical llamada compás.

Cuando enseño composición de canciones a mis alumnos en PMA, siempre comienzo asegurándome de que sepan contar compases, pues el compás es la unidad de medida mínima compuesta de figuras musicales agrupadas, que nos permite construir de manera ordenada frases musicales, secciones y finalmente canciones. Si deseas aprender a como lograr esto puedes estudiar una Certificación Progresiva de Pop Harmony en PMA y en pocos meses serás un experto.

La Forma Estándar

En la música popular existen formas de composición que han funcionado a lo largo de los años y generalmente se caracterizan por contar con ocho compases por sección o múltiplos de ocho, también conocida como forma estándar, ejemplo: 16 compases para el verso 1, 8 compases para el pre coro, 16 compases para el coro y así sucesivamente. Evidentemente con más experiencia podrías colocar un par de compases más en algunas secciones. Por ejemplo, podrías crear un segundo verso con algunos compases adicionales como en la canción Walk by Faith de Jeremy Camp, el cual retarda la llegada del coro generando una sensación de ansiedad por llegar a dicha sección. Sin embargo, cualquier alteración a la regla debe ser calculado previamente con un criterio de arquitecto musical.

Crestas y valles

La línea emocional del tiempo es una herramienta podesosísima para el diseño de crestas y valles en una canción. Como dijo Isaac Newton «todo lo que sube debe de bajar», así también aplica en la música «todo lo que baja debe de subir», pues cuando creamos canciones debemos generar contrastes interesantes mediante el uso adecuado de arreglos instrumentales, saltos melódicos, alteración del tempo, efectos de postproducción, entre otros. La idea es que el tema se vaya desarrollando a lo largo del tiempo de manera estratégica, para así llegar al punto más alto de la canción, el climax. Seguramente hay mucha gente experta que no piensa en esto a la hora de componer o producir, pero a decir verdad, tener un mapa visual es un recurso poderoso adicional para nuestra cajita de herramientas.

Sketch del tema

Cuando Kike entró en acción, reestructuró el tema teniendo en cuenta la intensión y los fines musicales y comerciales que buscábamos como banda. A continuación, les presento un pequeño análisis o sketch de esta reestructuración:

El tema inicia con un Pre intro de 4 compases el cual está compuesto por una guitarra eléctrica con un pequeño delay, acompañado de un sintetizador y una base percutiva, los cuales en conjunto generan un ambiente místico o de intriga, luego empieza el Intro de 12 compases con mucha fuerza compuesto por 2 guitarras eléctricas distorsionadas, una haciendo acordes de quinta y la otra haciendo acordes de octava, las cuales ensamblan complementándose mutuamente, todo esto acompañado de un bajo y una batería potente para así dar paso al Verso 1.

En el Verso 1 se expone el tema en una sección de 16 compases. En esta sección se cuenta brevemente la historia de una mujer que se siente sumergida en una profunda soledad y tristeza, y la idea es descubrir el por qué pasa esto. En ese sentido, en esta sección se busca ambientar musicalmente la escena con una guitarra arpeguiada con efecto de delay, la cual se encuentra en un plano frontal amarrando en complicidad con la sección rítmica de la batería para darle a esta sección una sensación de misterio y curiosidad, más atrás se encuentran los demás instrumentos como una guitarra haciendo un riff distorsionado y un bajo.

En el Pre coro de 8 compases, mi yo lírico trata de liberar a la mujer de la situación en la que se encuentra y canta: «si algo hay que evitar…no eres tú» con el fin de darle dramatismo a esta sección, una guitarra distorsionada con un efecto reverberado evoca un grito (min 1:06). Esta sección presenta un cambio rítmico instrumental, dando la sensación de aceleración del tema.

Justo antes de llegar al Coro, mi yo lírico canta: «no eres tú». La sílaba «u» esta en D3 (Re3), y cuando llega al coro, la última sílaba de «Sé que te escondes» cae también en la nota «Re», pero una octava más arriba D4(Re4), generandose un salto de octava muy atractivo al oído humano.

Pienso que el secreto del coro se fundamenta en la línea melódica, pues cuando digo: «sé que te escondes donde no hay paz» esta melodía tiene frases de pregunta y respuesta que generalmente funcionan por tener sentido musical. Posteriormente, cuando digo: «sé que tu vida es un desorden» , lo que sucede es que aparecen subdivisiones rítmicas que a diferencia de la primera frase «sé que te escondes» que empieza en el aire del tiempo 3 (segunda corchea del tiempo 3), esta nueva frase comienza en el aire del tiempo 1 (segunda corchea del tiempo 1), con más subdivisiones rítmicas, lo cual genera frescura, haciendo que la canción sea memorable. Nota: cuando compuse el tema no sabía sobre manipulación rítmica melódica, así que estos cambios de tiempo o subdivisiones rítmicas salieron tan solo escuchando mucha música, incluso hoy puedo decir que saber música te hace más consciente a la hora de componer o producir.

Otra sección importante a analizar es el Solo de 8 compases, el cual fue colocado justo después del segundo pre coro. Este es un recurso bastante utilizado porque genera mayor tensión, dado que lo que el cerebro espera de manera normal es un coro, pero al brindarle un solo se retrasa más la llegada del coro, haciendo que el solo sea mucho más disfrutable. Como dice el dicho: «lo bueno tarda en llegar».

Razón vs Emoción

Cuando diseñamos canciones debemos de tener un ojo en la razón y otra en la emoción. Ese balance solo se consigue con madurez musical y toca practicar mucho, tanto componiendo como produciendo. Este criterio no se adquiere de la noche a la mañana, cuesta mucho y es lo que distingue a un productor musical experimentado de cualquier otro. En ese sentido, el gráfico de la Línea Emocional del Tiempo, nos ayudará a identificar como se desenvuelven nuestras composiciones y/o nuestras producciones musicales, teniendo en cuenta la línea dinámica (objetiva) y la línea emocional (subjetiva).

La línea dinámica representa la densidad instrumental, la densidad rítmica, la intensidad o el volumen de cada sección del tema. Generalmente las producciones musicales van adicionando más o nuevos elementos al tema, haciendo que el tema vaya tomando más cuerpo a lo largo del tiempo de duración. También se pueden quitar instrumentos de manera táctica para crear anticlimax o saltos que generen mayores contrastes, haciendo que el climax sea más prominente.

La línea emocional es totalmente subjetiva y representa lo que el tema nos hace sentir en lo personal. Es aquí donde se identifica el climax de la canción, que en mi opinión se encuentra en el solo del tema.

A continuación se muestra el gráfico de la Línea Emocional del Tiempo del tema «Desorden»:

Y el resultado final fue este:

Cabe resaltar que toda producción está dentro de un contexto, y esta canción en particular estaba enmarcada en el año 2004, te sugiero que analices las canciones de ahora y te preguntes ¿Qué es lo que se busca la industria musical de hoy? o ¿qué es lo que las plataformas de streaming como Spotify premian hoy? y dependiendo del género y estilo que desees realizar encuentres tu propia personalidad musical.

Te invito a que leas Técnicas para componer canciones – parte 1 de esta segunda temporada de AUTOGESTIÓN MUSICAL y nos dejes tus comentarios.

Escrito por Pedro Callan

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